Elsa Schiaparelli nació en Roma en 1890 en el seno de una familia adinerada y muy vinculada a la cultura y las ciencias. Estudió Filosofía y Letras en la Universidad de su ciudad natal, y ya sorprendió a propios y extraños publicando un escandaloso libro de poemas eróticos al terminar su carrera. Se marchó a París retomando sus antiguas amistades parisinas, empezó a entablar contacto con representantes de los movimientos artísticos que bullían en aquellos días, como Francis Picabia, dadaísta, o Marcel Duchamp y Man Ray, del Surrealismo. Animada por sus amigos artistas, Elsa inauguró una boutique en París a comienzos de los años 20 que permanecería abierta hasta 1954, Elsa Schiaparelli es la diseñadora del Surrealismo, y trabajó codo con codo con Salvador Dalí, Leonor Fini o Jean Cocteau; el de Cadaqués incluso diseñó para ella una enorme langosta que ella plasmaría en su célebre Lobster Dress. También es muy famoso su sombrero-zapato, detrás del cual está, por supuesto, la calenturienta surrealista mente de Dalí. Elsa mantenía su boutique parisina con bastante éxito gracias a sus innovadoras propuestas: gruesos jerséis tejidos por refugiadas armenias, combinaciones de color inauditas para la época, uso de tonos vibrantes, pasión por las cremalleras y botones… Creó una nueva y atrevida elegancia inspirada en el arte y que tenía mucho de teatral y cinematográfico.

Coco Chanel la definió como “esa artista italiana que diseña ropa” ya que era su máxima competidora en aquel momento. Mientras Chanel optaba por la austeridad, Schiaparelli se esforzaba por crear prendas más llamativas, llenas de detalles, e innovar con los cortes. Sus creaciones fueron de las primeras en incluir el color fucsia o el turquesa, solos o combinados, así como materiales nunca antes utilizado en la ropa como el plástico. Fue la primera en crear amplias líneas de baño y deporte para la mujer, incluyendo una especie de falda pantalón para poder jugar al tenis con comodidad. Su estilo, a veces ofensivo para las damas más recatadas de la época, era muy del agrado de fieles clientas como Wallis Simpson, Daisy Fellowes o Marlene Dietrich. En definitiva, mujeres rompedoras y que no se conformaban con lo convencional.

Cuando terminó la guerra, tras haberse autoexiliado a Nueva York, volvió una vez más a París para continuar con su negocio. Pero el panorama era desolador: la moda volvía al estilo preguerra, imperaba la austeridad y un tal Christian Dior dominaba el mercado. En 1954 se retiró, el mismo año en que su gran rival, Coco Chanel, retomaba su firma. El mundo de la moda ya no estaba hecho para ella; comenzaban los años de sobriedad, elegancia, de blancos, negros y grises en detrimento de la imaginación y el colorido. ¿Qué le debe la moda a Elsa Schiaparelli? La creatividad, la fantasía y la vivacidad.

Elsa murió en 1973, pasando sus últimos días entre París y Túnez. Cabe destacar que su descendencia también ha permanecido ligada a la moda de una manera u otra. Su única hija, Maria Luisa -conocida como Gogo-, se casó con el millonario Robert L. Berenson, padre de Marisa Berenson, actriz y modelo incluso a su edad imposible.

La casa Schiaparelli reabrió en 1977 dirigida por un equipo de diseñadores, y hoy continúan vendiendo perfumes y accesorios de una manera bastante testimonial y casi como si fuera merchandising. De cualquier forma, su legado lo podemos apreciar en todos esos visionarios de la moda (John Galliano, Vivienne Westwood, Jean Paul Gaultier, Viktor & Rolf) que continúan rompiendo moldes como Elsa hizo hace ochenta años.

Elsa Schiaparelli red satin evening hat 1949

Srta. Jara (Elsa Schiaparelli, la gran visionaria de la moda)

Maravillosa modelo y mujer del Conde Drácula más famoso de cine, eterna y elegante la Señora Birgit Lee (Gitte Lee, para abreviar) su estilo y su presencia es una inspiración, sus fantásticos labios en rojo rubí, gafas de sol espectaculares, turbantes y vestidos clásicos fabulosos que acentúan su esbelta forma física y sus rasgos fuertes.

Un tema frecuente es el estilo de las mujeres de edad avanzada, estás imágenes no solo son positivas y hermosas tienen gracia y mucha alegría de vivir, nos deja un feliz legado a todas las generaciones anteriores, estas fotos añaden un elemento de historia (un look muy años 60 y 70) calidad, atemporalidad y estilo.

Vogue Italia recientemente perfila a esta mujer como un ejemplo de estilo innato que trasciende a la edad. Sus turbantes, abrigos de piel y gafas son mi idea del cielo.

El internacionalmente aclamado fotógrafo de moda Tim Walker fotografía a la legendaria actriz Gitte Lee haciéndole un homenaje a la estética de la moda única de Lee, con tanto estilo da gusto cumplir años verdad?

Srta. Jara (La eterna y elegante Señora Gitte Lee)

Talitha y Paul Getty en Marrakech en el año 1969 Photografiados por Patrick Lichfield.

Talitha, la actriz de los años sesenta, la vida glamurosa, y musa de la alta sociedad, fue comparada por Yves Saint Laurent en la ostentación hedonista de los privilegiados 1920s Flappers en la clásica novela de F. Scott Fitzgerald, The Beautiful and The Dammed, el genio dijo la famosa frase, “la represenación de la juventud de los años sesenta: es Talitha y Paul Getty tendidos en una terraza iluminada por las estrellas en Marrakech, hermosos y malditos, donde toda una generación es representada de una manera eterna, donde el velo del pasado se levanba para un futuro extraordinario.”

Talitha Getty falleció de una sobredosis de heroína cuando sólo tenía 30 años en la cima de su fama, cimentando su leyenda en la cultura, como Jimi Hendrix, Edie Sedgwick, y Jim Morrison. Getty vivía en una casa de lujo, que se utilizaba para acoger actuaciones de magos y pequeños bailarines.

El estilo de Getty se convirtió en un producto de sus viajes alrededor del mundo vistiendo prendas sofisticadas hechas a mano, como caftanes de Marrakech pantalones harén y gjellabas marroquí, joyería y ropa de seda con estampados ricos islámicos originales de cada país que visitaba. Pionera de un estilo bohemio que se convertiría en un punto de referencia para muchos diseñadores en las próximas décadas.

Srta. Jara (Talitha y Paul Getty en Marrakech 1969)

Para celebrar el 45th aniversario de la película “Los Pájaros” de Alfred Hitchcock en 1963, Mattel Inc. ha lanzado un Barbie basada en la protagonista Tippi Hedren, con su vestido verde y los pájaros incluidos.

Srta. Jara (The Birds, Themed Barbie Doll)

A pesar de ser una de las musas y modelos de los años 60, Penelope Tree siempre estuvo a la sombra de las archiconocidas Jean Shrimpton o Twiggy. Pero es eso, precisamente, lo que hace de ella un icono disonante hoy en día. Su fisionomía tan especial, sus enormes ojos y sus extrañas facciones, que en más de una ocasión han sido comparadas con las de un alienígena, cargaron de magnetismo todos los trabajos que Penelope realizó y dejaron constancia de que, sin duda, nunca fue una modelo al uso. Incluso en una ocasión llegó a depilarse completamente las cejas para, según ella, ‘parecerse aún más a un marciano’.

Los datos biógraficos con los que contamos son escasos. Nació en una familia anglo-americana bastante recta y de raíces aristocráticas, a pesar de la bisexualidad proclamada de su progenitor, un importante multimillonario periodista y parlamentario. A los 13 años Penelope fue descubierta por Diane Arbus, con la que más tarde volverá a trabajar para ser portada de Vogue en tres ocasiones. Con 17 años conoció a Diana Vreeland en la fiesta de máscaras ‘Black and White Ball’ de Truman Capote y fue ella quien encargó a Richard Avedon que la fotografiase para su publicación y la responsable del despegue de su carrera profesional. Fue gracias a esas fotografías que un renombrado y audaz fotógrafo se fijo en la jovencísima chica de resagos desconcertantes. No era otro que David Bailey.

David y Penelope comenzaron así una relación profesional y personal de amor-odio, sumida en el inestable panorama de los Swinging Sixties y en la diferencia de edad de 13 años que los separaba. Bailey dijo de ella que era ‘la modelo más original que jamás había visto’ e incluso recientemente afirmó que ‘Penelope era mucho más que Twiggy. Twiggy estaba más identificada con los Beatles, los Monkees, mientras que Penelope, de alguna manera, comenzó el movimiento Flower Power. Y llevaba las minifaldas más cortas que he visto nunca’. Este sentimiento de admiración por la modelo quedó, sin duda, grabado en todos los retratos que realizó, a pesar de que el mismo Bailey dijera en una ocasión que ‘nunca había tomado una buena fotografía a Penelope’.

Tras su ruptura con Bailey, Penelope decidió escapar a Australia para permanecer alejada del ojo público británico. Allí se aisló del mundo de la moda, formó una familia y puso punto y final a su carrera como modelo, aunque hemos podido verla recientemente en la campaña de Burberry otoño invierno 06/07 junto a Stella Tennant y Kate Moss y demostrando que, aunque pasen los años, ella sigue siendo una de las grandes.

Srta. Jara (Penelope Tree)

Gozó de una gran popularidad durante los años 60, representando el lado más sofisticado del Swinging London y siendo considerada un icono por el movimiento mod. A comienzos de los años 70 se convirtió en un símbolo para la cultura lesbiana tras hacer pública su bisexualidad.

Tras la separación de The Springfields, Dusty iniciaría su carrera en solitario en 1963 con el single I only want to be with you, canción con claras influencias de los grupos femeninos de soul de la Motown producidos por Phil Spector. En este tema, además de cantar, Dusty se involucró en la producción y los arreglos, algo que a partir de entonces sería una constante a lo largo de su carrera. El sencillo logró un destacado éxito, llevándola a ser la cantante más conocida en su país y una referencia para muchas jóvenes británicas, quienes imitaban su peinado y su maquillaje.

El éxito le siguió acompañando durante el año siguiente con su primer álbum A Girl Called Dusty y con singles como Wishin’ and Hopin, I Just Don’t Know How to do with Myself o All Cried Out. En el mismo año protagonizó un sonado incidente tras negarse a actuar en Sudáfrica si no se permitía que a su concierto asistieran personas de raza negra, motivando su salida del país africano y la demanda al gobierno tras las presiones recibidas para que actuara.

Dusty mantuvo su notoriedad durante los siguientes años, colocando en los primeros puestos de las listas de éxitos canciones como You Don’t Have to Say You Love Me, que alcanzó el número uno en el Reino Unido y que se mantuvo en el top ten durante 13 semanas seguidas. Otros singles emblemáticos de este periodo fueron Sunny, Losing You o The Look of Love, canción compuesta por Burt Bacharach y Hal David y que fue el tema principal de la banda sonora de la película Casino Royale. También presentó un programa en la televisión británica dedicado al soul llamado The Sound of Motown.

Hacia 1967 Dusty comenzaría a perder popularidad a causa del auge del rock psicodélico y la cultura hippie, planteándose un nuevo enfoque a su música para adecuarse a la nueva situación. Así, dos años más tarde grabaría su álbum más emblemático, Dusty in Memphis. Con este disco, Dusty no consiguió recuperar el éxito masivo, pero obtuvo el reconocimiento de los críticos, quienes lo señalaron como su mejor trabajo, llegando a menudo a figurar en las listas de los mejores álbumes de la historia del rock. El tema más conocido del disco, Son of a Preacher Man fue versionado por Aretha Franklin poco después.

Srta. Jara (Dusty Springfield)

Pattie Boyd ex-modelo y actriz ocasional, Pattie comenzó a ser reconocida cuando participó en A hard day’s night, la película que Richard Lester filmó con The Beatles a comienzos de los ’60. Fue esposa de George Harrison y Eric Clapton, y musa inspiradora de canciones como Something y Layla, la famosa melodía del guitarrista virtuoso. Siendo amiga de The Rolling Stones, Marianne Faithfull y varios famosos de la época, aun es considerada una pionera en su estilo, y fue la responsable de introducir a los Fab Four al mundo de la India. Además, otros que se prendaron de su belleza fueron Ron Wood, John Lennon y Mick Jagger.

Jenny Boyd era la la tercera de cuatro hermanos, Jenny Boyd es en realidad Helen Mary Boyd, pero la insistencia de su hermana mayor Pattie para que su nueva hermanita se llamara como su muñeca favorita hizo que finalmente todo el mundo la conociera como Jenny.

Jenny comenzó su carrera como modelo, que aunque no fuera tan significativa ni famosa como la de Pattie, ella también llegó a formar parte de la élite del swingin London modelando para Ossie Clark, Mary Quant, compartiendo cámara con Twiggy y Chrissie Shrimpton.

También debido a su hermana pudo formar parte del entorno beatle: fue la encargada de la tienda Apple, se fue a la India, y participó en muchos acontecimientos beatle. También estuvo viviendo en San Francisco, involucrada en el movimiento hippie y en un estilo de vida libre. Tampoco le faltaron admiradores: Mick Fleetwood (fundador y batería del archiconocido grupo Fletwood Mac)

Srta. Jara (Jenny Boyd and Pattie Boyd, Sixties Models )

Betty Boop es famosa por ser el primer personaje de dibujos animados que representa completamente una mujer sexual. Otros personajes femeninos del mismo periodo mostraron su ropa íntima regularmente, como Minnie Mouse, pero no tenían forma completa de mujer. Betty Boop, sin embargo, reveló su sexualidad. Llevaba vestido corto y liguero. Tenía pecho prominente y enseñaba el escote. En sus caricaturas, otros personajes intentaban espiarla mientras se cambiaba. En Betty Boop’s Bamboo Isle baila el hula y lleva únicamente un lei (collar de flores) y una falda hawaiana, atuendo que repitió en el cameo que hizo en el primer episodio de Popeye.

Fue el primer dibujo animado de una chica flapper. Hizo su primera aparición el 3 de agosto de 1930, en el dibujo animado Dizzy Dishes, en la sexta entrega de las series Fleischer’s Talkartoon. Grim Natwick, animador veterano de los estudios de Walt Disney y Ub Iwerks, fue principalmente el responsable de crear el personaje animado, modelado con base en la figura de Helen Kane, cantante y actriz estadounidense contratada por Paramount Pictures, el estudio que distribuía los dibujos animados de Max Fleischer. Siguiendo la práctica común, Grim Natwick hizo un nuevo personaje animal, en este caso su nuevo personaje animado era un perro caniche francés. Empezando con este dibujo animado, la voz del personaje fue representada por varias actrices de voces diferentes, hasta que Mae Questel consiguió al fin el papel, en 1931, y lo mantuvo por el resto de la serie.

El propio Natwick reconoció después que el aspecto original de Betty Boop era bastante feo. El animador la rediseñó en 1932 para ser reconociblemente humana en el dibujo animado Any Rags. Sus orejas de perro caniche de lanas blandas se volvieron pendientes en forma de aro, y su negra nariz de perro poodle se convirtió en una femenina nariz en forma de botón. Aparecía en diez dibujos animados como un personajes de apoyo, una chica flapper con más corazón que inteligencia. En sus dibujos animados propios se llamó “Nancy Lee” y “Nan McGrew”. Sirvió como la estrella de estudio, “novia” del personaje de Bimbo. No se bautizó oficialmente sino hasta el corto de 1932 Stopping the Show. Éste también fue el primer dibujo animado en ser oficialmente parte de la serie de Betty Boop.

Algunos afirman que el primer nombre de Betty se estableció en 1931, en el dibujo animado Screen Songs, donde se llamó Betty Co-ed y tenía un cáracter completamente diferente. Aunque la propia canción puede haber llevado al bautizo final de Betty, cualquier referencia con Betty Co-ed ha sido un error. El sitio web oficial de Betty Boop describe el personaje mencionado como un prototipo de Betty. En total, había doce dibujos animados de Screen Songs que ofrecieron a Betty Boop o por lo menos un personaje similar.

Srta. Jara (Betty Boop… sexy girl)

Diana Ross nació el 26 de marzo de 1944, es una cantante y actriz estadounidense, su genero musical es el Soul, Pop, R&B, disco y jazz.

En 1959, con 15 años, se unió a sus vecinas Mary Wilson, Florence Ballard, y Betty McGlown para formar el cuarteto local conocido como The Primettes, quienes actuaban como teloneras de The Primes, más tarde llamados The Temptations.

En 1961 firmaron un contrato con la discográfica Motown Records, y Betty McGlown fue reemplazada por Barbara Martin. El grupo fue relanzado bajo el nombre de The Supremes. En 1962 Barbara abandonó el cuarteto, convirtiéndolo en un trío. El delegado de la discográfica, Berry Gordy, convirtió a Diana en la líder del conjunto musical. Entre agosto de 1964 y mayo de 1967, el terceto consiguió que diez de sus sencillos llegaran al puesto 1 del Billboard Hot 100. Después, Gordy sustituyó a Florence Ballard por la vocalista de Patti LaBelle and the Bluebelles, Cindy Birdsong. Pronto, rebautizó al grupo como Diana Ross and the Supremes, para darle protagonismo tanto a la voz principal como al conjunto. Él ya lo había hecho con otras agrupaciones como Smokey Robinson & The Miracles, antes llamados The Miracles, y Martha Reeves & The Vandellas, antes conocidos como The Vels, por las mismas razones.

The Supremes, bajo el liderazgo de Diana Ross, consiguió doce grandes éxitos en Estados Unidos, entre los que destacan “Where Did Our Love Go”, “Baby Love”, y “You Can’t Hurry Love”. Así, se convirtieron en el segundo conjunto musical estadounidense más exitoso de la década de 1960, después de The Beatles. En 1969, Diana decidió abandonar el grupo. Actuó por última vez como miembro del trío en enero de 1970 y su vacante fue cubierta por diversas cantantes.

Srta. Jara (Diana Ross la diva del soul)

Mary Quant es una diseñadora galesa e icono de moda británico que formó parte del movimiento “mod”. Su nombre adquirió fama internacional en los 60. Fue la creadora de la minifalda (aunque esto no esté muy claro, pues ella y el diseñador francés André Courréges mantienen una disputa sobre quién fue el creador) y los pantalones cortos.

La moda de Mary Quant estaba dirigida a estos jóvenes. Su estilo era sencillo y colorista, identificado por el símbolo de la margarita, lleno de diversión y fantasía, lo cual desentonaba con la seriedad de la moda de la época. Trabajaba con materiales económicos, lo que hacía sus diseños más asequibles. Algunos de los más influyentes fueron los vestidos suéter con collares de plástico, los pantalones bombachos, los vestidos globo, las medias con diferentes motivos y colores, las botas blancas de plástico con cordones hasta las rodillas, los suéters a rayas y los impermeables de plástico. Todas estas prendas se volvieron parte del “London Look” y Mary Quant pasó a ser sinónimo de modernidad.

En 1955 abrió con su marido Alexander Plunkett-Green su primera boutique en la Road King de Londres llamada Bazaar, conocida por sus escaparates surrealistas y mezcla ecléctica de ropa, accesorios y bisutería. Al principio vendía ropa de otros diseñadores, pero después empezó a vender sus propios diseños.

Aunque André Courrèges había modelado diseños de alta costura por encima de la rodilla en la década de 1960, los diseños de Quant fueron revolucionarios, fue repentinamente aceptable e incluso obligatorio mostrar una gran cantidad de pierna. La prenda alcanzó los escandalosos 34 cm, haciendo que la iglesia pusiese el grito en el cielo. En 1966 recibió la Orden del Imperio Británico por su contribución a la industria de la moda, y lo recibió por supuesto en minifalda.

Srta. Jara (Quant by quant, Britain´s wildly successful Mod girl, Mary Quant)